Rumi Rock at NGV ‘KIMONO’
2025年6月4日から2025年10月5日まで、オーストラリアのメルボルン、ビクトリア国立美術館にて「KIMONO」展が開催され、
当社デザインの振袖「古九谷」が展示されました。
この展覧会は、着物の伝統から現代の多様なデザイン、
さらには世界への影響までを紹介し、能や狂言の衣装、江戸の町人文化、明治の洋装化、三宅一生やガリアーノら現代デザイナーの作品などが展示されました。
オーストラリアのテレビ番組でも展示会が紹介されました。
『VOGUE AUSTRALIA』2025年7月号にて、当社デザイナー芝崎が紹介されました。下記よりweb版がご覧いただけます。
Rumi Rock’s furisode coordination is currently on display at the “KIMONO” Exhibition at the National Gallery of Victoria in Melbourne. It was also featured on an Australian television program, and an interview with our designer, Shibasaki, has appeared in the July 2025 issue of Vogue Australia as part of an article covering the exhibition.
This exhibition explores the history and evolution of the kimono, from its traditional roots to contemporary designs and its global influence. On display are costumes from Noh and Kyogen theatre, the fashion of Edo-period townspeople, the Westernization of clothing during the Meiji era, and works by modern designers such as Issey Miyake and John Galliano.
NEWS
In the fold: how the kimono revolutionised Japanese history
着物がどのように日本の歴史に変革をもたらしたか
JONAH WATERHOUSE
11 JULY 2025
かつては有名な赤線地区だった東京の台東区は、現在では静かで落ち着いた地域となり、観光客の訪問もそれほど多くありません。ここには、Rumi Rockというブランドで知られる芝崎るみのスタジオが、吉原神社向かいの静かな通りにひっそりと佇んでいます。歴史的な神社の広大なアーチは、2つのコンクリートアパートメントビルと、ちょうど花を（葉を）落としたばかりの桜の木の後ろから覗いています。
現代性と伝統の調和は、日本文化の核心であり、日本を代表する最も尊敬され革新的な現代の着物デザイナーの一人である芝崎氏の作品における重要な要素です。
「私のすべてのインスピレーションは、世界に対する疑問や疑問から来ています」と、61歳の芝崎氏は緑茶を飲みながら、通訳の助けを借りて語ります。
「それは本やニュース、何であれです」
この街路から少し離れた場所に位置し、書籍で埋め尽くされた空間で、芝崎は30年以上にわたり手掛けている着物デザインを考案しています。1991年にアップルコンピュータを購入したことがきっかけで、彼女はフォトショップなどのツールを用いてグラフィックで個性的なデジタルプリントを施した浴衣（夏の着物）をデザインする、最初のデザイナーの一人となりました。
「私は（コンピューターを導入したことにより）小さな少数派やグループ、個人のために、伝統とは異なるものを、デザインを提供できるようになりました」と、彼女は自身の創作活動について説明しています。
隅田川を挟んだ向こう側、超現代的な東京スカイツリーの元、アーティスト・高橋理子のスタジオは異なる風景を呈しています。高橋は、広々とした改装された倉庫の白い壁に彼女の白黒の芸術作品が飾られた部屋で、柔らかい椅子に座っています。彼女の尊ばれる着物の一つ一つは、人生の無限の可能性を表現するためにデザインされており、円と直線が共通のモチーフとして用いられています。色はほとんど1色しか使用されていません。
「パリのコレクションに参加したいデザイナーなら、自国の伝統から始める必要があります」と、高橋は通訳を通じて、若きアーティストとして着物の総合的な理解を深める決意を説明します。日本の着物の伝統は彼女の作品の一部となり、東京芸術大学で博士号を取得しました。現在47歳の高橋は、着物と現代アートを融合させる先駆者として評価されています。彼女はアディダスなどとのコラボレーションで、夏用の着物、スポーツウェア、スニーカーなど、自身の特徴的なアートで装飾されたコレクションを手掛けました。「着物の形は完璧です——誰もそれを変えることはできません。なぜなら、そこには美しさがあり、ただ完璧だからです」と、数多くの時代を超えて重要な存在であり続け、彼女の芸術実践の基盤となっている着物の形について語ります。「私は着物を、私のメッセージを広めるためのツールとして使用しています」
約1,000年にわたり、日本の着物——男女ともに着用される伝統的な長袖の着物——は、日本の文化の重要な要素として存在してきました。現在、ビクトリア国立美術館国際館で開催されている「Kimono」と題された新たな展覧会は、この着物の歴史をたどり、江戸時代（1600年から1868年）から現代までの包括的な展望を提供しています。展覧会には70点の希少な作品が展示され、そのうち30点以上は一般公開が初めてのものとなっています。この「Kimono」展は、今年初めに同美術館で記録的な50万人の来場者を集めた草間彌生回顧展に続く、待望の展覧会です。また、テレビシリーズ『将軍』の成功に続き、江戸時代の職人技が光る着物に新たな注目が集まっています。このシリーズでは、ヴォーグ・オーストラリアの表紙を飾ったアンナ・サワイが着用した着物が話題になりました。
「『着物』という言葉は、実は比較的新しい言葉です」と、NGVのアジア美術シニアキュレーターであるウェイン・クロザース氏は、展覧会に出品される作品を自ら選んだ経緯を説明します。「おそらく1900年ごろから、日本製の布地で作られた着物の一般的な呼称として広まりました。文字通り『着るもの』を意味します」現在では公共の場で着られることは稀ですが、かつては日常の生活の一部であり、制服としての役割と個人の表現手段の両方を果たしていました。歴史的に、そのデザインは着用者の職業や社会的地位を象徴していました。
「100年、150年前、地方の地域には衣服や着物を購入できない貧しい農民がおり、彼らは端切れを組み合わせて縫い合わせた衣服を作っていました」とクロザースは説明し、100年以上の歴史を持つ、100以上の端切れから作られた作品を指さします。展覧会の他の展示品は、着物と1960年代のポストモダンデザインとの最初の出会いを表現しています。1961年にテキスタイルデザイナーの芹沢銈介がデザインした作品は、壺の側面に滴り落ちる厚い釉薬を連想させる鮮やかなテクスチャパターンを採用しています。もう一つは、ヴィンテージ生地で作られた着物を専門とする東京の小さなブティック「布と玩具 LUNCO」から提供されたもので、時代を超えた美しさと現代の独創性の融合を示しています。
芝崎と高橋は、新たな世代の目的意識を持った着物芸術の代表者として、NGV（ナショナル・ギャラリー・オブ・ヴィクトリア）で作品を発表しています。芝崎の作品は2021年のものですが、高橋の作品は展覧会ために特別に制作された新作です。彼らは、ギャラリーが日本を代表する文化の象徴の一つである着物の役割と、グローバルなファッションにおけるその位置付けを探求する企画の一環として参加しています。
展覧会における現代的な着物解釈は、職人技と物語性を強調する精巧な歴史的作品を補完しています。18世紀後半のボルドー色の打掛・小袖（外着）には、白波の立つ荒れた海に細やかな刺繍が施された風の強い海岸線が描かれています。一方、同じ時代の帷子・振袖（長袖の夏用着物）には、雪の降る冬の川辺の風景が描かれており、展覧会における数多くの職人技の美の表現の一つとなっています。着物のデザインは時代と共に進化してきましたが、広い袖、前開き、帯といった他の特徴は時代を超えて受け継がれてきました。
「着物の魅力は、誰が着ても、年齢や性別に関係なく、すべての作品が同じ形をしている点です」と、京都出身でシドニーを拠点とするデザイナーの五十川 明（いそがわあきら）は語る。同氏の作品2点が展覧会に出品される。その一つは、木綿生地で制作された着物から着想を得たドレスで、赤のシルクジャカードで裏地が施されており、シンプルさと豪華さのバランスを保っています。「着物は、すべて長方形の構造を維持しており、単に四角形の生地から構成されています」と彼は説明します。「生地こそが違いを生むのです」
展覧会の他のコーナーでは、ポール・ポワレ、カロ・スール、アレクサンダー・マックイーンなど、国際的に著名なデザイナーやブランドによる作品も展示されており、ファッション界が長い間この衣服に魅了されてきたことを示しています。ジョン・ガリアーノの作品も 2 点展示されています。1 つは、1994/95 年秋冬コレクションの、黒色の着物から着想を得たドレスで、このコレクションが、彼がジバンシィに採用されるきっかけとなったと言われています。もう 1 つは、1985 年のめったに見られない作品で、2023 年にオーストラリアの慈善家、寄付者、NGV ファッションの支持者であるクリスティナ・キャンベル・プリティによって購入されました。これは、ガリアーノが初めて発表したプレタポルテコレクションの中で、唯一現存するフルレングスの着物です。
展覧会には、文化に根ざした日本のブランドの作品も展示されています。その中には、イッセイ・ミヤケのデザイナーの象徴的なプリーツを施した着物や、2015年のヨウジ・ヤマモトの赤と黒の着物コートが含まれています。着物の優雅な形状は、その生地の美しさを引き立て、デザインを通じて物語を伝える役割を果たしています。芝崎は、NGVに寄付する作品を含む自身の作品を「若者のための贈り物」と位置付け、過去に関するメッセージを現代にも通じる形で装飾しています。
「若者に文化について学んでほしい。この作品は、江戸時代初期に制作された陶器からインスパイアされた」と彼女は説明し、スタジオ内で制作したプリントを指さします。そのプリントには、十字架、聖書、テキストが覆い尽くし、江戸時代を通じて約250年間続いたキリスト教の禁止を象徴しています。
芝崎は、現代の言語がスマートフォンを通じてどのように拡散されているかについて考えており、これを潜在的に危険な現象と見なしています。
「1990年には、コンピュータは私たちがつながれるものだと考えていましたが、2009年にスマートフォンが登場し、（各自に合った広告やつながりが流されることにより）私たちは実際につながりを断つようになってしまいました」と彼女は言います。「このメッセージを着物を通じて広めたいと考えています」
高橋にとって、彼女の民主的なモノクロアート作品の背景にある目的は、日本の性別に関する固定観念の中で育った幼少期に由来しています。「小学校では、女の子は赤、男の子は黒のバッグを使うんです」と彼女は説明します。「このステレオタイプと制約に苦悩していました——なぜ女性はこう振る舞わなければならないのか、男の子はまた別の振る舞いを求められるのか」 柔道を実践するアーティストは、スタジオで自身の作品を着用し、拳を握りしめて堂々と立つ自身の写真を指さします。この姿勢は通常男性に限定されるものです。「私たちは性別役割を再考できる——他者について考える機会を再び与えてくれる」と彼女は言います。高橋の芸術の魅力的な曲線は、団結と一体感を表しています。彼女の希望は世界平和です。しかし、芝崎同様、彼女は着物が現代生活の課題に向き合う手段になり得ると言います。「自分の考えに疑いを抱き、居心地の悪さをもつこと（ “You can doubt your thoughts, have an uncomfortable mindset.）。それが私のやりたいことです——人々が物事を疑問視したり、疑いを抱いたりすることを望んでいます」「美しい着物をデザインするだけではありません。着物を、疑問を投げかけるためのメディアとして使うのです」着物の即座に認識できる形と構造は、それを有名にしました。しかし、江戸時代の日本から現在まで、そのデザイン——歴史的な瞬間を想起させるものもあれば、独自の物語を語るものもある——は、過去、現在、そして未来の日本を織り成す魅力的な表現を作り上げています。
芝崎のスタジオに話を戻すと、デザイナーはNGVと共有している着物のコンピュータで仕上げた図案を指さします。これは、20歳になった女性が「成人式」で着るようにデザインされたものです。
「これは80％完成しています。100％完成させる方法は、実際に着る人次第です」「どのようにコーディネートするか、どのように髪をセットするか。その部分は、あなた次第です」と彼女は言います。
この着物は、NGVインターナショナルで10月5日まで展示されています。
この記事は、2025年7月号の『ヴォーグ・オーストラリア』に掲載されました。